And just like that, el regreso de Sex and the City

Después de 20 años, las amigas más famosas de Nueva York siguen con su historia en And Just Like That, el reboot de Sex and the City que tiene toda el alma de las primeras temporadas de la serie. 

Gracias a HBO Max, ahora es posible ver el regreso de Carrie, Charlotte y Miranda en alta definición y 13 años después del lanzamiento de la segunda película de la franquicia, su última producción. 

Comenzando por el título original, Sex and the City, se refleja el enfoque franco que nos presenta en torno a las vidas amorosas y sexuales de sus personajes principales: Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), Charlotte York (Kristin Davis), Miranda Hobbes (Cynthia Nixon) y Samantha Jones (Kim Cattrall). A lo largo de aquellos capítulos, las protagonistas y más personajes secundarios exploran cuestiones relacionadas con el amor, el sexo, la amistad y la independencia en la ajetreada vida de la ciudad de Nueva York, dejando tras ellas un linaje de experiencias y consejos para el público que la consumía. 

Desde los 90's, la serie de libros y producciones audiovisuales han impactado a la sociedad en diferentes ángulos, como el empoderamiento de la mujer y un cambio real a la conversación sobre la sexualidad. Todo esto ha estado incluido en su trama hasta la actualidad, además de sus características principales como la pasión por la moda y la cultura pop. 

And Just Like That…

La primera temporada del reboot de la serie, And Just Like That (Cómo la típica frase que hace Carrie cuando habla de algo significativo en su vida) se estrenó en el 2021 y nos platica todo el contexto en que nos quedamos al final de la segunda película, pero unos años después y ahora sin el personaje de Samantha. 

Englobando todo lo nuevo que hay en la serie, lo que me parece más impactante es el desarrollo de los personajes. 

Charlotte, tan amorosa como siempre; resolviendo las diferentes situaciones que intervienen con sus hijas, su esposo y su carrera como artista, pero siempre viendo todo con cabeza optimista y apoyando en todo. 

Para Carrie fue un destino menos afortunado. Después de darle un “final feliz” para su relación en la segunda película, el equipo guionista decidió quitarle la felicidad y a su esposo por el que peleó tantos años. Un poco forzado para mi gusto, pero ha logrado dar un giro interesante a la trama de las nuevas temporadas. 

La dirección del personaje de Miranda se alineó a algo nuevo y emocionante para ella al decidir terminar con su matrimonio y buscar el amor en brazos de un nuevo personaje, además de un nuevo futuro laboral. 

Las participaciones de nuevas actrices, como Sara Ramirez (Che Díaz), Nicole Ari Parker (Lisa Todd Wexley), Sarita Choudhry (Seema Patel) y Karen Pittman (Dra. Nya Wallace) agregó una chispa diferente al grupo con historias y familias diferentes. Además, para la segunda temporada nos topamos con el regreso amoroso del antiguo amor de Carrie: Aidan Shaw (mi favorito de la serie). 

A pesar del nuevo entorno, personajes y situaciones que nos presenta la serie, es de mi agrado informar que las personajes principales siguen conservando la vibra única que las caracteriza, cada una moldeada a sus nuevas realidades después de una pandemia y los problemas que han tenido que enfrentar. 

Bronca (Beef): el enojo hecho serie

Cuando la irritación hacia otra persona llega demasiado lejos se crean obras cinematográficas tan sentimentales como “Bronca”, de A24 (La ballena, Todo en todas partes al mismo tiempo, Euforia...)

Esta miniserie protagonizada por Steven Yeuny (Danny Cho) y Ali Wong (Amy Lau), y creada por el director coreano Lee Sung Jin para Netflix, contiene una variedad de temas que tienen como consecuencia la personalidad de ambos personajes principales. El estilo de crianza, la brecha generacional, situaciones matrimoniales e incluso las diferencias entre clases sociales y el deseo de ser una buena persona son situaciones que comparten los personajes y que han causado crear un molde de comportamiento ligado al enojo y la irritación. 

El ciclo vicioso de problemas en el que se ven involucrados Danny y Amy crece cada vez que uno de ellos se enoja. Comenzamos viéndolos en una disputa automovilística mientras salen de un supermercado que por el coraje crece a buscarse mutuamente en internet para programar una venganza. Primero Danny a Amy y luego viceversa y así consecutivamente hasta que termina en personas muertas, asaltos, secuestros y la intervención policíaca. 

Al final, la escena depresiva y moribunda en el desierto me recuerda al simple momento de la calma después de la tormenta. Reflexionando sobre sus vidas y todo lo que un momento de enojo provocó, logran darse cuenta de que en realidad son personas muy parecidas y conectan sentimental y energéticamente. Tal vez la sugerencia de la serie es que Amy y Danny encontraron en sí a su alma gemela, pero eso ya se descubrirá en las próximas temporadas. 

Otra historia que comienza desde un enojo es “Desenfrenadas”, que nos cuenta el camino de descubrimiento personal de Vera (Tessa ia), Rocío (Bárbara López), Carlota (Lucía Uribe Bracho) y Marcela (Coty Camacho), además que también es la historia de cómo una mala decisión emprende una bola de nieve que termina en algo mucho más grande y peligroso. 
https://youtu.be/io7BSftd9-g?si=ltkJ6rEprHhecryr

Adiós a otra generación de High School Musical

High School Musical: El Musical: La serie nos presentó una nueva historia juvenil para cautivar a una nueva generación y al mismo tiempo revivir la nostalgia que se tenía por East High. 

La franquicia de High School Musical no solo fue popular en términos de audiencia, sino que también dejó una marca significativa en la cultura pop y en la forma en que se consume y se hace cinematografía musical. 

Desde algo tan simple como convertir en íconos a los personajes principales, hasta abordar temas de inclusión y diversidad al explorar las dinámicas sociales en un entorno escolar, la serie resonó con la audiencia joven y generó discusiones sobre temas relevantes para su vida diaria. Logró que su legado perdure en la memoria de quienes crecieron con la franquicia y sigue siendo una parte memorable de la cultura popular de principios de los 2000.

Fue este mismo legado el que inspiró a Tim Federle para producir esta nueva serie en una versión ficticia de East High y la historia escolar a partir de cómo el club de teatro de la misma escuela decide montar el musical de High School Musical, todo esto contado en primera persona por los personajes como si fuera un falso documental. 

Durante la primera temporada, los personajes enfrentan dilemas personales y escolares. Ricky (Joshua Bassett) lucha por encontrar su lugar en el elenco y demostrar que puede ser confiable. Nini (Olivia Rodrigo) se debate entre sus sentimientos por Ricky y su deseo de explorar nuevas oportunidades. Gina (Sofia Wylie), mientras tanto, revela su historia de fondo y busca encontrar su propio lugar en East High. Las historias van creciendo dramáticamente conforme las temporadas van avanzando, tanto las relaciones como los intereses y la presión por una carrera mejor. 

Es en la tercera temporada cuando la serie nos da su gran giro. Ahora los personajes se encuentran en un campamento de verano donde producirán el musical de Frozen, pero también serán grabados para un documental. Además de la participación de Corbin Blue, lo que más llama la atención de la serie es el inevitable adiós al personaje de Nini debido a la creciente fama que ha logrado Olivia Rodrigo. Además, incluir canciones de otra de las franquicias juveniles de Disney “Camp Rock” fue un gran toque para los fanáticos. 

What Time Is It/Start the Party Mashup (From Camp Rock | HSMTMTS)

La cuarta temporada nos deja en claro desde el principio que será la última, pero eso no impide tener el drama a tope. Nuevos amores y desafíos finales que tienen que resolver los personajes que ponen en juego sus vidas profesionales, pero dándoles una buena despedida. 

Sin miedo a equivocarme, High School Musical: El Musical: La Serie es de las mejores series juveniles que existen actualmente y que realmente pueden dejar un mensaje positivo a las juventudes que la ven, aprendiendo valores como amistad, compromiso, respeto y tolerancia. Además, contiene un lenguaje incluyente muy adecuado para las nuevas generaciones. 

Tres documentales mexicanos de denuncia social

Sin duda la nota roja en nuestro país siempre ha dado de qué hablar, pero en esta columna hoy les traemos esas historias que han impactado tanto en el pueblo que han sido representadas en producciones documentales. 

Las películas suelen ser producciones cinematográficas con un enfoque en la narrativa y la ficción. Los documentales, por otro lado, están diseñados para presentar hechos reales, información y acontecimientos de la vida real. No se basan en ficción, sino que buscan informar, educar o concientizar al público sobre un tema específico. 

Esta intención ha pasado por la cabeza de muchos directores y productores que se atreven a retratar una realidad tan criminal como la que vivimos en México, dejando a su paso producciones tan impactantes como los crímenes mismos. 

Hoy quiero compartirte mi análisis con una lista de los mejores documentales sobre crímenes que cimbraron la consciencia del pueblo mexicano e hicieron eco mundial:  

Las tres muertes de Marisela Escobedo (2020) 

Desde 2008, Marisela Escobedo Ortiz emprendió la búsqueda de su hija Rubí Marisol Escobedo y de la persona que le quitó la vida cuando tenía 16 años, exigiendo justicia con una serie de manifestaciones por todo el país que llamaron la atención de los noticieros nacionales e internacionales. La lucha de una madre desesperada y la falta de compromiso por parte de la autoridad es lo que el director Carlos Pérez Osorio representa en el documental “Las tres muertes de Marisela Escobedo”, estrenado en 2020 a través de Netflix. 

Cómo el título lo dice, la producción se divide en las tres veces que Marisela Escobedo sintió cerca la muerte. La primera vez cuando Sergio Rafael Barraza le despojó la vida a Rubí en agosto del 2008. La segunda cuando un tribunal superior permitió la liberación de Barraza debido a que la Fiscalía estatal de Chihuahua no pudo comprobar el delito. La tercera vez cuando Marisela se encontraba realizando un plantón frente al Palacio de Gobierno de Chihuahua y una persona la asesinó con un disparó en la cabeza. Más allá de la maravillosa representación fotográfica que nos presenta, el documental realmente logra transmitir los pormenores de este crimen sistemático tan sensible. 

Hasta los dientes (2018) 

Jorge Mercado y Javier Arredondo eran estudiantes de posgrado y utilizaban de noche las instalaciones del Campus. Salieron a cenar y cuando iban de regreso al ITESM se toparon con un enfrentamiento entre militares mexicanos y presuntos narcotraficantes. Sin embargo, las circunstancias exactas que llevaron al enfrentamiento y a su muerte han sido objeto de controversia y debate. 

La producción explora las circunstancias de la muerte de estos dos jóvenes y cuestiona la versión oficial presentada por las autoridades mexicanas en ese momento.

Para examinar más a fondo el caso y cuestionar las narrativas oficiales, el documental, dirigido por Alberto Arnaut Estrada y Alessandro Cassigoli, utiliza una combinación de material de archivo, entrevistas con familiares y amigos de los jóvenes y el análisis de expertos en derechos humanos y periodistas. 

Plaza de la soledad (2015)

A través de entrevistas y observaciones cercanas, el documental mexicano “Plaza de la soledad”, desde el ojo de la directora Maya Goded, aborda temas como la sexualidad, la vejez, la soledad, la supervivencia y la lucha por la dignidad. Las mujeres retratadas en el documental comparten sus perspectivas trabajando como prostitutas en La Merced, un conocido barrio rojo en la Ciudad de México. 

Pero "La plaza de la soledad" no sólo se centra en la vida de las prostitutas, sino que también pinta un cuadro más amplio de la dinámica social y económica en la que operan. El documental busca desafiar estereotipos y prejuicios, mostrando la humanidad detrás de las vidas de estas mujeres y su valiente enfrentamiento a las adversidades. 

Aunque “La plaza de la soledad” no cuenta la historia de un crimen, es interesante ver un punto de vista humanizado hacía las personas que se dedican a este oficio, que es considerado como delito ante la sociedad.

Euphoria, ¿Real o Ficción?

¿Será real que la serie Euphoria es mucho más que los malos comentarios? En la columna Tarántulas con miel siempre tratamos de desmentir lo malo que se cree y resaltar lo mejor de cada producción. 

"Euphoria" sigue a un grupo de adolescentes mientras navegan por los desafíos y las complejidades de la vida moderna, abordando temas como las adicciones, la sexualidad, la identidad, las relaciones y las luchas personales. 

A medida que avanza la serie, podemos ver cómo se exploran sus historias individuales y sus interacciones, contado desde la perspectiva de Rue (Zendaya), a través de una lente cruda y visualmente llamativa, a menudo presentando escenas intensas y emocionales. 

Sin embargo, la serie producida por Sam Levinson destaca entre las demás por su contenido artístico y estético que se encuentra en los momentos más distintivos del show, caracterizándose por su estilo visual llamativo, su enfoque creativo en la cinematografía, el diseño de vestuario y la dirección artística.

Aquí algunos puntos clave de su estilo:

Sin embargo, aunque la estética sea lo mejor de Euphoria y gracias a esto cuenta con 7 premios, el mensaje sigue presente. Es inevitable pensar en la romantización del consumo de sustancias, aparentemente exagerado ante los ojos de quienes comentan en redes sociales tal vez lejos de una realidad latente que vive el norte del continente, ya que entre 2013 y 2019 las muertes por fentanilo y otros opioides sintéticos aumentaron en más del 1000%. 

Durante los años de estreno de ambas temporadas, las muertes por sobredosis de fentanilo aumentaron un 94% y se estima que casi 200 estadounidenses fallecen cada día por consumirlo. Poco después del estreno de la primera temporada, en julio de 2019, 21 adolescentes murieron por sobredosis de fentanilo en Estados Unidos; dos años después esa cifra estuvo cerca de cuadruplicarse.

Más allá de una glorificación del uso de sustancias, tener vida sexual activa y enfiestarse cada fin de semana, la serie nos presenta un llamado de atención y crítica social hacía una realidad que vivimos sin importar el país. Pensar que en cada grupo de amistades jóvenes hay una persona que sufre de una adicción, problemas de salud mental, situaciones de angustia por la aceptación de su propio cuerpo o que se encuentran en una relación abusiva debería ser un llamado a la sociedad para reconocer los problemas actuales por los que pasa la juventud y para actuar al respecto con empatía. 

Con otro punto de vista, la película Beautiful boy nos muestra la dura batalla de un padre para cuidar a su hijo adicto. El amor y la constancia funcionan como impulsores para el padre en esta batalla, otra forma de representar este problema en crecimiento. Esta película estadunidense de 2018 es protagonizada por Timothée Chalamet y Steve Carrell y producida por Brad Pitt. 

Elementos y, otra vez, la fórmula de Pixar

El pasado 22 de junio se estrenó la más nueva película de Disney Pixar “Elementos”, dejando a su paso más comentarios malos que buenos de la mano con la habitual crítica social que se ve en sus películas. 

Inspirada en la propia infancia del director, Peter Sohn, Elementos nos cuenta una historia sobre diversidad, familia, aceptación, pertenencia y amistad. Muy linda y todo… pero es algo que ya hemos visto en muchas películas: West Side Story, Romeo y Julieta, La Dama y el Vagabundo, Hairspray, etcétera. 

La aventura de Elementos empieza con Ember, una joven elemento fuego cansada de la normalidad que sus padres crearon para ella en un pequeño rincón de la “Ciudad Elemento”, una urbe donde todos los elementos (Fuego, Agua, Aire y Tierra) pueden convivir entre ellos. 

Como sucedería en cualquier sociedad, algunos sectores se ven más vulnerables respecto a cómo los afectan las características de otros. En este caso, nos presentan al fuego como el elemento menos socialmente menos aprobado, como el que lastima, explota y desintegra todo a su paso. Aunque las reglas de la ciudad marquen que “los elementos no deben mezclarse”, Ember pondrá a prueba esta prohibición al pedir el apoyo de alguien de elemento agua, el joven Wade, para rescatar la tienda de su padre. 

Al romper las reglas, Ember y Wade logran mezclar ambos conceptos de vida y aprender mutuamente. El fuego podrá representar cosas socialmente vistas como malas, pero también es luz, confección, fundación y creación. Así mismo, aunque el agua representa crecimiento, sensibilidad, vida y felicidad, también puede ser vista como algo peligroso, sin control y desbordante. 

VIDEO: Lauv - Steal The Show (From "Elemental")

Es obvio que la intención de Disney y Pixar era mostrar que todas las personas tienen diferencias que los hacen fuertes, teniendo por ejemplo la química detrás de los elementos y cómo interactúan entre ellos. No obstante, el discurso de crítica social es algo que hemos visto en las películas de estas casas productoras durante ya varios años: Valiente, Un gran dinosaurio, Toy Story, Unidos, Soul, Luca, Intensamente, etc. 

Además, parece que la primicia para generar una trama de Pixar es siempre la misma pregunta: ¿qué pasaría sí tales “cosas” tuvieran sentimientos e interactuaran en comunidad/ciudad? (insectos, carros, juguetes, robots, almas, monstruos, ratas, peces, personas mexicanas fallecidas, los sentimientos mismos, elementos…).  Una primicia que han planteado desde sus inicios (Toy Story, 1995. Bichos, 1998) y que, al parecer, seguirán planteando.

Lo bueno: que las infancias de diferentes generaciones tengan mucho que aprender en valores mediante dinámicas sociales alegóricas a la humanidad. Lo malo: la fórmula podría ya aburrirnos a quienes llevamos muchos años viendo sus películas.

Si, porque creciste con Pixar y ya estás en tu adultez, lo que quieres es cambiar el chip y disfrutar de una animación diferente que también contenga el valor humano, te recomiendo Wolfwalkers, espíritu de lobo. Con una hermosa animación 2D, esta película de Apple TV cuenta la historia de cómo una joven cazadora de lobos entabla amistad con otra joven de la que se rumora que puede convertirse en lobo durante la noche.

VIDEO: https://www.youtube.com/watch?v=lRSo6-8SsHM

“Me he convertido en muerte”: la culpa de Oppenheimer

A Robert Oppenheimer se le ha llamado con muchos adjetivos: genio, traidor y hasta el apodo de “Muerte”. ¿Por qué cada uno de ellos y cómo logró Christopher Nolan enmarcarlos en su nueva película? 

El nuevo filme de Christopher Nolan llegó a los cines el pasado 20 de julio con mucha expectativa, pero al mismo tiempo con comentarios sobre si realmente había logrado captar la presencia del físico estadounidense correctamente. 

Oppenheimer es protagonizada por Cillian Murphy en el plano a color y por Robert Downey Jr. en el plano en blanco y negro, junto con la participación de Florence Pugh, Emily Blunt, Matt Damon y Josh Hartnett. Además, está basada en el libro El Prometeo americano: el triunfo y la tragedia de J. Robert Oppenheimer de Martin J. Robert y Kai Bird. 

El director ha logrado capturar una parte de la historia de una manera casi gloriosa en tres términos: Genio, Traidor y Muerte. Destacando su fotografía y edición de sonido, la película te teletransporta a cada situación de la historia para poder comprender más como se siente el protagonista. 

la culpa de oppenheimer

El genio de la bomba atómica

El director y escritor del filme (Christopher Nolan) logró separar los triunfos y tragedias de uno de los físicos más importantes de la historia humana, justamente por su intelecto, carácter e inteligencia por la época en que se encontraba. 

Los triunfos científicos más notables de J. Robert Oppenheimer cómo físico teórico están relacionados con su papel como director científico del Proyecto Manhattan, durante la Segunda Guerra Mundial, en el que desarrollaban en secreto la primera bomba atómica. 

Al principio logramos ver cómo contribuyó el científico significativamente a la teoría y el diseño de la bomba atómica, continuando con la prueba realizada el 16 de julio de 1945, a la que llamó “Trinity”. 

Por último, se muestra cómo reconocen que sus investigaciones hayan otorgado avances significativos en la mecánica cuántica, la astrofísica y el desarrollo de la teoría de agujeros negros.

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Traidor: enjuiciado aun siendo leal

En otro panorama de la historia, el filme relata con saltos en el tiempo cómo Robert Oppenheimer fue acusado de tener "dudas de lealtad" en un proceso de seguridad llevado a cabo en la década de 1950, durante la época del macartismo en Estados Unidos. 

Este proceso duró 4 años y concluyó con una audiencia de seguridad dirigida por la Comisión de Energía Atómica. Aunque el comité no lo acusó de ser un espía, encontraron que había sido negligente al compartir información clasificada con personas no autorizadas. Como resultado, su autorización de seguridad fue revocada y fue excluido de participar en proyectos científicos relacionados con armas nucleares y seguridad nacional.

Todo esto fue representado de dos formas: en blanco y negro, donde veíamos el punto de vista de Lewis Strauss, y las tomas a color, que muestran el punto de vista de Oppenheimer al ser acusado. 

la culpa de oppenheimer

“Ahora me he convertido en muerte, el destructor de mundos”

Cuando J. Robert Oppenheimer pronunció la famosa frase "Ahora me he convertido en muerte, el destructor de mundos", lo hizo al recordar el momento de la primera prueba exitosa de la bomba atómica y provocando una profunda ambivalencia y angustia ante las implicaciones de la energía nuclear que había ayudado a desatar.

A pesar de que su logro científico lo llevó a cumplir su meta (ser una persona reconocida mundialmente), también significó darse cuenta de la capacidad del ser humano para infligir un gran daño y destrucción hacía su propia especie. Esta experiencia llevó a Oppenheimer reflexionar sobre el uso de las armas nucleares y lo impulsó a ser un defensor del control de armas y la prevención de la guerra nuclear en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. 

Justo al final de la película logramos captar la culpa con la que cargó Oppenheimer sobre la muerte de más de 200 mil personas en Hiroshima y Nagasaki en 1945. Con tomas largas y en silencio el filme logra que te sumerjas por completo en el sentimiento existencialista que rodea al protagonista. Más allá de sus pensamientos, en la realidad este genocidio lograría cambiar la forma en que los humanos ven el poder y a otros humanos como parte de la consecuencia de su ola de expansión.

Barbie no es película infantil

Desde 1959, Barbie ha marcado a muchas personas en diferentes formas, causando que cada generación veamos a la muñeca más famosa con diferentes ojos. 

La nueva película de Barbie, dirigida por Greta Gerwig (Lady Bird), ha sido el tema principal en muchas conversaciones. Que si su mercadotecnia, que si su soundtrack, que si los actores y actrices, que si su mensaje… pero hoy quiero desarmar la película positivamente desde su complejidad para el público adulto. 

Clasificación B

En México, las películas se clasifican según la edad del público al que van dirigidas. Las clasificaciones que son emitidas por la Comisión Calificadora de Películas, un organismo nacional encargado de guiar al público y proteger a menores de contenido que consideren inapropiado. En este caso, la nueva producción de Barbie se encontraba dentro de la clasificación B, afirmando que la película no es apta para menores de 12 años. 

Esta clasificación no es impuesta porque tenga contenido explícito, sino por el fuerte mensaje existencial y crítico implícito en la película. 

Personalmente destaco que sus discursos largos en planos seguidos pudieran llegar a aburrir al público infantil; están presentes en las partes más importantes de las películas y son clave para la resolución de los problemas principales. 

Desde que la película fue anunciada, se presentó esta cuestión, pero al parecer a mucha gente se le fue de largo pensando que era buena idea llevar a menores de 12 años; niñas y niños que pasaron un momento poco entretenido. 

barbie

El mensaje que no querían escuchar 

El discurso más fuerte y representativo del filme es justo esa evocación del existencialismo humano hilado con el simbolismo que ha creado Barbie a lo largo del tiempo. Con la frase “tú no eres Barbie… Barbie eres tú” se explica todo. 

La persona que se considere acompañante de vida de una Barbie no es la responsable de adaptar su vida al producto ni físicamente ni profesionalmente, si no que la muñeca es quien se adapta a todas las vidas humanas que existen, porque todas son diferentes. 

Este mismo mensaje, que se ve reflejado en el diseño de las muñecas Barbie desde sus inicios, ha inspirado a muchísimas personas alrededor del mundo a ser lo que quieran ser, pero al mismo tiempo te dice que lo que ya eres es digno de representarse y apreciarse con orgulloso. 

Cuando empieza a tener pensamientos sobre la muerte y crisis existencial, Barbie (Margot Robbie) emprende un viaje al mundo real para volver a conectarse con la niña que juega con ella. Después de toda una aventura se reencuentra con Gloria (America Ferrera), quien inesperadamente será la salvadora de Barbieland al compartir su discurso feminista en cada Barbie de la ciudad. Todo esto combinado con un toque de comedia sobre cómo vivimos en la realidad patriarcal que se ve reflejada en vastas situaciones, sobre todo laborales.   

El “ser suficientes” es también uno de los mensajes importantes del filme, sobre todo con el hilo argumental puesto en el patriarcado que le encargan a Ken (Ryan Gosling). Con el lema “I am Kenough”, ayudan al personaje a deconstruir el machismo que adoptó al visitar el mundo normal, demostrándole que el simple eco de ser diferente lo hacía suficiente, que no necesitaba demostrar ser macho para ser mejor persona. 

Para todas las generaciones, pero para una en especial 

Aunque se pensaría que la película va dirigida a las nuevas generaciones, en realidad es para todas aquellas personas que no se sienten suficientes. En cada generación hay alguien que se inspira al ver una Barbie: en realidad “puedes ser lo que quieras ser”, cualquier profesión o físico son suficientes para ser tu mejor versión. 

Adaptar a la vida diaria el idealismo al estilo Barbie y sentir orgulloso por ti misma(o) cada día. Sí es bonito mensaje para las nuevas generaciones, pero siento que está película está dirigida especialmente para las personas ya adultas que crecieron con una muñeca Barbie y se pueden llenar de nostalgia al verla. Sin duda, una producción que merece considerarse “de arte” y se llevará varias nominaciones en la próxima temporada de premios. 

Si te gustó el mensaje y el cariño con el que la nueva película de Barbie está hecha, puedes ver Lady Bird (2017), disponible en Prime Video y dirigida por la misma Greta Gerwig. La película sigue el viaje emocional y de autodescubrimiento de Lady Bird (Saoirse Ronan), mientras lucha con la identidad, la amistad, las relaciones familiares y la búsqueda de su lugar en el mundo. 

Los 5 mejores episodios de Black Mirror

Creada por Charlie Brooker, Black Mirror colecciona distintos episodios independientes donde cada uno explora el lado oscuro y a menudo distópico de la tecnología y la sociedad modernas. 

A lo largo de seis temporadas, el programa ha ofrecido una mirada que invita a la reflexión sobre las posibles consecuencias y los dilemas éticos que surgen de nuestra creciente dependencia tecnológica y el impacto que tiene en nuestras vidas. 

Cada episodio de Black Mirror presenta una historia y un conjunto de personajes diferentes que se enfrentan a una visión única y a menudo inquietante del futuro cercano o una realidad alternativa. Profundizando en una amplia gama de temas, incluida la influencia de las redes sociales, la realidad virtual, la inteligencia artificial, la vigilancia y la difuminación de los límites entre los humanos y la tecnología. 

¿Cuál es tu episodio favorito? Porque yo, cada vez que veo un episodio de Black Mirror, con la situación en cuestión me vienen a la mente mil ideas sobre cómo esa tecnología podría salirse de control y afectar a la sociedad.

¿Cuáles son los mejores capítulos de Black Mirror? 

Aquí te dejo una lista de los que para mí son los mejores, tomando en cuenta su apego a una posible realidad futura, su creatividad y el suspenso que crean. 

5. The Entire History of You

Desde la primera temporada de la serie, nos mostraba que no se iban a ir con temas sencillos que incursionen en problemas simples. En este capítulo, dirigido por Brian Welsh y protagonizado por Toby Kebbel, las personas viven en un mundo donde llevan un implante detrás de la oreja que les permite grabar, visualizar y almacenar todo lo que han visto a lo largo de sus vidas. Así mismo, nos cuenta la vida de una pareja que sufre problemas maritales al obsesionarse con el pasado que ha quedado grabado, reclamando sobre viejos amores y llevándolo al extremo de terminar su relación por esto. ¿Es realmente necesario recordarlo todo? 

the entire history of you black mirror

4. Smithereens 

La adicción a las redes sociales es un problema que va en aumento desde los últimos años. Sin embargo, no todos pensamos que los videos de gatos nos distraen del verdadero problema que conlleva. En el segundo capítulo de la quinta temporada se cuenta la historia de un conductor que trabaja a través de una aplicación y que fue afectado por la red social Smithereens, de esta manera decide secuestrar a un practicante de la empresa y hacer lo posible por comunicarse con el creador del medio social para tener alguien a quien culpar por pérdida.

3. Beyond the Sea

Protagonizado por Aaron Paul, Kate Mara y Josh Hartnett, el tercer capítulo de la sexta temporada de la serie muestra un 1969 en donde dos astronautas se ven cautivos en una misión espacial. Sin embargo, para amortiguar el vacío que dejan en su planeta han sido sustituidos por robots con los que pueden cambiar su conciencia, todo esto gracias a la tecnología. Si bien desde el inicio del episodio nos muestran indicios de que algo anda mal, no es hasta que avanza que vemos el verdadero trasfondo de la historia cuando una pandilla hippie termina con la vida de una de las familias de uno de ellos y la de su robot. Esta situación hace que se tomen decisiones que pondrían en riesgo al otro astronauta. 

beyond capítulo de black mirror

2. Nosedive

En el primer episodio de la tercera temporada se explora un futuro distópico donde la obsesión de la sociedad con las redes sociales y las calificaciones personales ha alcanzado niveles extremos. En específico, estas calificaciones están determinadas por las constantes interacciones y evaluaciones de las personas entre sí a través de una aplicación de teléfono inteligente; además, influyen en la obtención de vivienda, trabajo, privilegios, alimentación y transporte. Lacie Pound (interpretado por Bryce Dallas Howard) es una chica determinada en incrementar su clasificación mientras orquesta cuidadosamente sus interacciones y trata de complacer a todos los que conoce, con la esperanza de mejorar su puntaje y ser aceptada en una exclusiva comunidad. Esta misión la llevará a la obsesión y la locura hasta realizar acciones que la pondrán en el final del rango. 

1. San Junipero
El cuarto episodio de la tercera temporada de Black Mirror destaca entre los demás, ya que se muestra como una historia más optimista y emocionalmente edificante, que explora temas de amor, memoria y el más allá. Se centra en dos mujeres, Yorkie (interpretada por Mackenzie Davis) y Kelly (interpretada por Gugu Mbatha-Raw). Se encuentran una a la otra en el paraíso de realidad virtual conocido como San Junipero, en donde las personas pueden cargar su conciencia, lo que les permite vivir después de la muerte como cuando eran más jóvenes en un entorno vibrante y nostálgico. Para la comunidad internauta, San Junipero es el mejor capítulo de Black Mirror hasta el momento.

black mirror capitulo junipero

The Idol: la serie cancelada por el rechazo del público

Después de cuatro semanas de transmisión, HBO decide finalizar anticipadamente The Idol debido a la caída de audiencia y malos comentarios. De los 6 capítulos de la primera temporada, solo 5 fueron transmitidos.

Con mucha expectativa detrás, la serie The Idol, protagonizada por Lily Rose-Depp y The Weekend, se estrenó el 22 de mayo en el Festival de Cannes y desde ese momento recibió fuertes críticas negativas respecto a sus temas explícitos.

Se esperaba que la alineación de un elenco de renombre (sobre todo la participación de Jennie de Blackpink) combinada con la dirección de Sam Levinson (Euphoria) daría pie a una nueva promesa cinematográfica. Sin embargo, fue la propia temática de la serie y la forma en que se presenta lo que determinarían su caída y el rechazo del público. 

the idol

Para Variety, The Idol es “una fábula fantástica y del lado oscuro del mundo del espectáculo que perpetúa el mito de que las estrellas del pop son marionetas corporativas que no tienen voz en la creación de su propia imagen”. 

Para mí, The Idol es la viva imagen de la deshumanización actual que sufren las estrellas pop, sexualizando y minimizando su trabajo y talento de la manera más pornográficamente posible. ¿Realidad o Ficción? 

Desde el primer capítulo podemos apreciar todo en lo que esta serie está mal. Para empezar, la necesidad masculina de Abel Tesfaye de destacar por encima de Lily Rose-Depp, logrando desvalorizar su actuación ante los críticos y generando que los internautas cuestionen cómicamente su interpretación en la serie. Convertir a Jennie en la villana sexual de la producción sólo aumentó la repulsión hacia la serie. 

Aún con la esperanza latente por parte de los protagonistas de una segunda temporada, la aceptación hacia la producción ha bajado a un 23% de acuerdo a las cifras de Rotten Tomatoes. Por lo pronto, esta información no ha sido confirmada ni desmentida por parte del equipo de trabajo de HBO.